BÚSQUEDA CONSTANTE E INAGOTABLE

La Generación de los años treinta descubrió a partir de las vanguardias europeas que el arte puede expresar el estado del espíritu subjetivo que las cosas evocan, más allá del aspecto de los objetos en el mundo natural (Barquero, 1986). Sin embargo, señala Carlos Guillermo Montero (1986), con respecto a la obra de Pablo Picasso, que el mismo fue asimilado en el medio costarricense como un artista clásico y monumental, como se manifiesta en la obra de Max Jiménez (n. 1900- m. 1947) y en la escultura Maternidad del año 1935 de Francisco Zúñiga (n. 1912- m. 1998). Por tanto, el cubismo y otras tendencias posteriores al expresionismo escasamente estuvieron en contacto con las artes visuales costarricenses, de ahí la novedad que significaron las tres exposiciones de arte abstracto en el Museo Nacional de Costa Rica.

Los tres artistas recién llegaban de sus estancias en el extranjero, esta experiencia amplió sus horizontes plásticos y sus exposiciones en 1958 les permitieron compartir los conocimientos adquiridos con el medio artístico costarricense (Zavaleta, 1994).

El cuadro tridimensional propio de los conceptos estéticos del Neoplasticismo ofreció al pintor un nuevo ámbito de expresión. Esta integración del relieve al campo pictórico ofrecía una realidad constante, una verdadera tercera dimensión de formas y colores que rima de manera efectiva con los fines artísticos y el culto por la verdad que caracteriza nuestra época, conquistando para la pintura un nuevo e insospechado medio de expresión de valor incalculable (González, p. 7), según expuso en su artículo El cuadro tridimensional. El cuadro objeto de 1958 para la revista Brecha. Para el pintor costarricense la liberación de la abstracción, que procuró en sus lacas sobre madera expuestas a partir de 1958 en Costa Rica, eran obras autónomas en constante reintegración cósmica, porque se han liberado de lo decorativo para manifestar la necesidad interior del pintor, por medio de elementos intrínsecamente plásticos: la nitidez de sus formas, la claridad vibrante de sus colores puros y el encanto orgánico de sus texturas.

Manuel de la Cruz González compartió más adelante sus posturas intelectuales con sus compañeros del Grupo 8 (1961): Rafael Ángel García, Harold Fonseca (n. 1920-m. 2000), César Valverde (n. 1928- m. 1998), Luis Daell (n. 1927- m. 1998), Néstor Zeledón Guzmán (n. 1933), Guillermo Jiménez (n. 1922- m. 1988) y Hernán González (n. 1918- m. 1987), quienes también defendieron el arte como una búsqueda inagotable, según se desprende de un fragmento del manifiesto de la agrupación: El arte es vida. Y la vida es un fenómeno de cambio. En el arte percibimos una ruta cierta: la realidad interior de cada hombre, su intuición estética y su libre conciencia creadora (Grupo 8, 1961).

La incomprensión del medio costarricense hacia las tendencias vanguardistas, sobre todo el arte abstracto, motivó a los artistas a agruparse. Junto al Manifiesto que publicaron en la revista Brecha, ese mismo año organizaron su primera exposición en Las Arcadas. Esta exhibición dejó de manifiesto el conglomerado de corrientes vanguardistas que expresan las inquietudes estéticas de cada uno de los integrantes de la agrupación (Zavaleta, 1991).

El Grupo 8 pese a su disolución en 1963, logró su objetivo de inquietar el ambiente para estimular toda forma de originalidad creadora (Grupo 8, 1961, p. 25). Las polémicas, crítica de arte, certámenes y exposiciones, entre otras actividades en torno a la agrupación fueron el impulso que reactivó el medio artístico costarricense. Entre sus actividades destacan los Festivales Anuales de Artes Plásticas, las exposiciones individuales que patrocinaron a jóvenes artistas como Lola Fernández, Carlos Poveda, Guillermo Combariza y Ricardo Ulloa Barrenechea, así como su colaboración en la Exposición de pintura y escultura de 1962, que presentó el MNCR (Diario de Costa Rica, 1962).

En los años sucesivos, Manuel de la Cruz González continuó la labor de divulgación en favor de la exploración estética, principalmente a través de la Dirección General de Artes y Letras, adscrita al Ministerio de Educación Pública y bajo la dirección de Rafael Ángel García, así como la organización de premios de estímulo para las artes y con el Grupo Taller dirigido por González como maestro y precursor de una generación de artistas jóvenes (Zavaleta, 1991). El dinamismo de la agrupación quedó patente en sus pinturas, las discusiones que organizaron sobre arte y sus exposiciones. El objetivo era pintar por medio de una exploración de los lenguajes plásticos del siglo XX y de esa manera contribuir al mejoramiento y desenvolvimiento de la pintura costarricense (Pinto, 1983).

Durante la década de 1960, González expuso constantemente en muestras individuales y colectivas, formó parte de las discusiones sobre arte que se publicaron en la prensa nacional y era usual su participación diversos eventos culturales. Fue miembro del jurado seleccionador para Costa Rica en el certamen regional convocado por la Standard Oil S.A en 1964, junto a Francisco Amighetti (n. 1907- m. 1998) y Juan Portuguez (n. 1909- m. 1999) (Borrasé, 1964). En 1965 expuso en la Dirección de Arte y Letras un conjunto de diez lacas que formaban parte de sus últimos trabajos vinculados a la construcción pura (La Prensa libre, 1965). En estas obras alcanza una composición armónica basada en el despojo, según el crítico de arte Juan Bernal Ponce (2000). Este último alude a la síntesis que logró González en sus obras abstracto-geométricas, al eliminar la estructura lineal, la ilusión de profundidad, reducir la cantidad de elementos y simplificar las composiciones.

Las últimas pinturas abstracto-geométricas realizadas por Manuel de la Cruz González fueron expuestas en el Salón de Honor de la I Bienal Centroamericana de Pintura en 1971, convocada por el Consejo Superior Universitario Centroamericano y organizada por el Ministerio de Cultura (CSUCA, 1971). A este conjunto corresponden Negro interrumpido, Amarillo continuo, Blanco Interrumpido y Síntesis de ocaso. Los otros integrantes del Salón de Honor fueron Francisco Amighetti, José Mejía Vides, Rodrigo Peñalba y Antonio Velásquez.

El jurado compuesto por los artistas Fernando de Sziszlo, José Luis Cuevas y la crítica Marta Traba expresó: Lo definitivo es que los artistas asuman conciencia de que los objetos que produzcan no tienen otra posibilidad de existencia que insertarse en una realidad y representarla verídicamente (en Marín, 1971). De acuerdo con el jurado las obras de los costarricenses no expresaban contenidos vinculados con el contexto nacional o latinoamericano, y pese a la calidad técnica el lenguaje moderno correspondía a un empleo superficial de recursos ya empobrecidos por el uso excesivo (Traba, De Szyszlo y Cuevas 1971: 25). Esta postura evidencia la influencia del pensamiento de Traba quien consideró a los artistas latinoamericanos vinculados a las vanguardias norteamericanas y europeas en desconexión con los medios donde viven y en consecuencia carentes de poder de comunicación en sus obras (Traba 2005: 225).

Finalmente, la participación de los costarricenses Rafael Fernández (n. 1935 – m. 2018), Lola Fernández, Jorge Gallardo (n. 1924- m. 2002), Ricardo Morales (n. 1935-m. 2016), Cesar Valverde y Jorge Manuel Vargas (n. 1942) en la I Bienal Centroamericana de Pintura fue considerada por algunos, entre los que destaca González como pobre, desarticulada y confusa en comparación con el aporte guatemalteco homogéneo y técnicamente consistente que le valió el premio a Luis Díaz (n. 1952) por la obra Guatebala. El desinterés por demostrar una toma de conciencia sólida y sabia ante los problemas plásticos que encontró González en los costarricenses, en su opinión estaba vinculado a las carencias del medio para comprender y apoyar los impulsos renovadores de los que depende el arte para subsistir (González, 1972).